Hipstamatic og tiden da fotografier så ut som malerier

Kelmscott Manor.jpg

Frederick Evans fotografi fra 1896 Kelmscott Manor: Loft ser for hele verden som et verk av menneskehender. Drømmende og myke ser vi ned fra den ene enden av et loft langs takstolene og takbjelkene mot et åpent område hvor lyset flyter inn fra venstre. Vekslende striper av grått minner oss om at fotografier bare var komplekse konfigurasjoner av lys, mørkt, lys. Og likevel, akkurat rundt denne tiden, ble de noe mer. De ble kunst.

En gruppe venner og samarbeidspartnere kjent som billedkunstnere feide gjennom fotoverdenen. Ledet av Alfred Stieglitz kalte de kjemikaliene de festet til papirkunst, og det vi ser når vi ser på Evans sitt bilde - bruken av kameraet for å skjule virkeligheten med lys i stedet for å fremheve den - er et argument for høyden av kunst med maskin. De påvirket all fotografering som kom etter dem fra Edward Weston til Ansel Adams til dine Hipstamatic-øyeblikksbilder.

Som med alle viktige kunstneriske bevegelser, må vi spørre: hvorfor skjedde dette? Hvilke krefter var i arbeid som førte til at denne gruppen gjorde noe nytt i verden?



'Mange argumenter florerer, men jeg hevder at det var en teknologisk oppfinnelse,' sa Alison Nordström, fotografikurator ved George Eastman House, landets største filmmuseum. «I 1888 oppfant George Eastman Kodak-kameraet. Det var relativt billig. Sammenlignet med de gamle måtene å ta bilder på, var det veldig enkelt. Plutselig var alle fotografer. Alle med en liten sum penger og litt dyktighet kunne ta bilder. Plutselig var moren din fotograf.'

For de som er interessert i å bruke fotografi til å lage kunst for kunstens skyld, var dette litt av en utfordring for deres status, forklarte Nordström torsdag på Phillips Collection i Washington, D.C. i et foredrag som var tidsbestemt til å falle sammen med åpningsuken for en ny utstilling. TruthBeauty: Pictorialism and the Photograph as Art, 1845-1945 . De måtte begrunne sin kunstneriske praksis.

«Forsøket var å hevde at denne maskinen, dette kameraet, kunne lage kunst. Og en av de enkleste måtene å lage ting som folk forsto som kunst, var å lage ting som så ut som kunst, sa hun. 'Så i motsetning til øyeblikksbilder, så pictorialists fotografier ut som malerier og kulltegninger og etsninger.'

steichen.jpg

Mange verk som Edward Steichens 'Flatiron--Evening Camera Work 14' (over) leker med tåke og røyk. De skjuler ting i gråtoner og har til og med en tendens til en tåkete abstraksjon. Alt blir litt vanskeligere å se og litt mer romantisk. Jeg hadde lenge, dovent antatt at bilder fra århundreskiftet så slik ut på grunn av tekniske årsaker, at det var akkurat slik kameraer laget bilder på den tiden. Det er ikke sant. Disse fotografene var dyktige nok og teknikkene deres gode nok til at de kunne ha laget sylskarpe portretter, men det gjorde de ikke. I stedet har vi to tiår der de beste fotografiene fungerer som minner, ikke opptak.

For mitt moderne øye deler de den impresjonismen, det bevisst digitalt forringede øyeblikksbildet av mobiltelefonen, alt med mykt fokus og rart lys.

Hipstamatic, en populær app for iPhone, lar brukere velge gamle 'filmer' og linser for å lage forskjellige effekter. I en verden der alle med noen få hundre dollar kan kjøpe et digitalkamera som tar feilfrie, skarpe bilder av hva som helst automatisk, gjør Hipstamatic å ta bilder vanskeligere og mer utsatt for tilfeldige variasjoner. Bildene den produserer er drømmende og ufullkomne. Det er vanskelig å ramme inn bilder godt, så skrå vinkler og halve scener vises regelmessig i bildet flickr-fotodelingsgrupper dedikert til appens utgang . Bare se på Neema Naficys fotografi av den samme Flatiron-bygningen i New York.

Når du bruker Hipstamatic, tvinger det deg praktisk talt til å ta kunstige bilder. Vi kan alle være mobiltelefonbilder nå.

flatiron2_nnaficy.jpg

Men det er en nøkkelforskjell mellom hva de originale billedkunstnerne gjorde og hva vi gjør med smarttelefonene våre: Hipstamatiske bilder er raske. De kan ha utseendet til en håndtrykt perle fra århundreskiftet, men de krever ingen av de engasjementene som billedkunstnerne hadde med seg til arbeidet sitt. Det var ikke bare hvordan bildene så ut som gjorde dem til kunst, men hvordan kunstnerne som laget dem tenkte på hva de gjorde.

Overflødighetshornet av fotografiske og trykketeknikker skapt av kjemikere på 1800-tallet - platina, gummibikromater, flytende sølvemulsjon, palladium, fotogravyr - tillot billedkunstnere å ta alle slags estetiske avgjørelser. Noen ganger tok de til og med børster til visse emulsjoner for å gi dem akkurat det rette utseendet. Og selv om Hipstamatic kan tilby en illusjon av linse- og filmvalg, er realiteten at vi kontrollerer svært lite om de resulterende bildene. Datamaskinen kjent som telefonen din gjør all etterbehandlingen som en gang ville blitt gjort for hånd.

Hipstamatiske brukere som meg er mer som trykkknappskamerabrukerne på sin tid, selv om kvalitetene til bildene våre hører tilbake til Steichen og Stieglitz. Hvis alle plutselig ikke bare kan være fotografer, men billedkunstnere, hva skal en ekte kunstner gjøre?

Nordström sa at et sentralt svar hun har sett er at fotografer som ønsker å bli sett på som kunstnere produserer enorme verk, og regner med skalaen deres for å skille dem fra de små, lavoppløselige produksjonene i digitalkamerariket med lav leie.

Men hun antydet også at skillet mellom kunstfotografer og snapshots lenge har hatt mer å gjøre med holdning enn noen form for teknisk virtuositet. Bildekunstnerne startet praktisk talt debatten om fotografi skulle være kunst, og de vant den med sine argumenter og kulturelle posisjon like mye som med sitt arbeid. De sørget for å få arbeidet sitt inn i salonger og til og med museer allerede i 1911. De sa igjen og igjen: dette er kunst .

Alt det harde retoriske arbeidet ga til slutt resultater. Publikum aksepterte fotografi som et gyldig medium for kunstnerisk uttrykk. Da modernismens skarpe linjer sakte overtok piktorialismen gjennom tenårene, var omtrent alle enige i Henry Peach Robinsons påstand i sin bok fra 1867, Elementene til et bildefotografi , at bilder kan være kunstverk. Nordstroms foredrag endte med sitatet, som binder sammen de mange tankene om forholdet mellom teknologi og kunst.

fersken.jpg

Robinson sier: teknologi er et verktøy, og kunst er det en kunstner gjør.

Så selv om teknikk og kunnskap er viktig, er ikke verktøyene det. Noen artister kan skille seg ut ved å sprenge utskriftene sine til XXL og montere dem på spesialpapir, men andre dedikerer seg til iPhone og dens fotografiske potensial.

iPhone-artistene utfører en nesten identisk operasjon som billedkunstnernes. For å få folk til å forstå noe som kunst, får du det til å se ut som kunsten de allerede kan, ikke sant? Alle vet at billedkunstnerne har laget kunstbilder, så nå får du iPhone-bildene dine til å se ut som deres tyggegummi bikromat-trykk. Du sier igjen og igjen, iPhone-bilder kan være kunst. Og du skyver arbeidet ditt inn i kulturinstitusjonene som definerer kantene til kunstverdenen.

Det er en utstilling med iPhone-kunst som turnerer landet rundt akkurat nå. Den debuterte i San Francisco forrige måned, og kommer til Chicago og New York i løpet av de neste to ukene. ' Piksler på en utstilling ' har kunst produsert utelukkende med iPhone - og noe av det er nydelig. Jeg hviler mitt tilfelle med Maia Panos 'Morning Glow', et fint eksempel på iPhone-bildesjangeren.

morningglow.jpg