Den enorme, latterlige verdenen til 'Cloud Atlas'

Det er ingen mer ambisiøs, velmenende eller mer omfattende film denne sesongen enn Cloud Atlas . Det er heller ingen mer humlende, ofte udugelige og rett og slett bisarre film denne sesongen enn Cloud Atlas .

Det er ingen mer ambisiøs, velmenende eller mer omfattende film denne sesongen enn Cloud Atlas . Det er heller ingen mer humlende, ofte udugelige og rett og slett bisarre film denne sesongen enn Cloud Atlas . Med nesten tre vekselvis engasjerende og straffende timer, er denne gigantiske filmen, regissert av Wachowskis (Lana og Andy) og Tom Tykwer, for stor og uhåndterlig til å virkelig komme i gang. Men det er en så mild gigant, en så dumt tømmende skapning som klemmer alt på veien med et varmt smil, du kan ikke unngå å føle en viss hengivenhet for tingen. En drømmende om tunghendt meditasjon over tilkoblingen mellom mennesker og gjerninger, Cloud Atlas overdriver sin sak, men det er noe merkelig spennende med den villskapen. Si hva du vil om Cloud Atlas ' utallige feil og rariteter, i det minste svinger det for gjerdene.

Basert på David Mitchells roman fra 2004, Cloud Atlas spenner over rundt 500 år med menneskelig historie, fra en Stillehavsreise i 1849 til det vagt postapokalyptiske («etter fallet» er terminologien) 24. århundre. Mitchell brukte tilbakevendende temaer og motiver og tilbakeringinger for å knytte sine seks forskjellige tidsperioder sammen, en subtil teknikk som er litt vanskelig å oversette til film. Det betyr ikke at det ikke kan gjøres, men det viser seg utenfor rekkevidden til Wachowskis, som laget den store, høylytte, stumpe Matrise bilder, og Tom Tykwer, en storslagen visualist ( Løp Lola Løp ) som sliter når de presenterer faktiske følelser ( Himmel ). Hadde de kanskje ansatt en mer delikat og presis manusforfatter, kunne vedkommende ha vevd alt intimt sammen som tråder på en vevstol. Men dessverre gjorde de det ikke, og derfor sitter vi igjen med store klumper av råmodellert leire. (Beklager, denne filmen får meg til å blande metaforene mine.) Som en måte å bonk oss over hodet med Wonderful Interconnectedness Of It All, valgte filmskaperne å rollebesette de samme skuespillerne i flere roller; noen skuespillere, inkludert de merkelige rollebesetningene Halle Berry og Tom Hanks, spiller så mange som seks forskjellige karakterer, et dristig om enn bokstavelig valg som viser seg å være fascinerende å se på som en særhet, men katastrofal for filmens dype stikk.

Sminken. Vi må først snakke om sminken. Noe av det er gjort bra - Hanks går fra en ond, gammel lege med store tann i 1849-segmentet til en illebegytt britisk slagsmål i dagens del av historien til en hjemsøkt, skogaktig, tatovert fremtidsmann i det 24. århundre. Det hele er gjort troverdig nok (selv om det britiske slagsmålet er latterlig, det skal det være) og distraherer bare i liten grad fra handlingen. Men noe av det andre sminkearbeidet går så langt at filmen til tider rett og slett blir et spill for å se skuespilleren. Hvordan skal Halle Berry ta med i historien fra 1936 om en homofil engelsk grifter/musikalsk vidunderbarn (den vakre, begavede Ben Whishaw) som jobber som amanuensis for en gammel komponist? Det viser seg at de kommer til å bleke huden hennes og gi henne en neseprotese og få henne til å spille den tyske jødiske kona til komponisten. Hvordan vil filmens stort sett hvite rollebesetning bli innlemmet i et segment satt i 'Neo Seoul' i 2144? Vel, i filmens største feiltrinn kommer de til å gi dem grufulle tilnærminger til 'asiatiske øyne' og sette dem i rette svarte parykker. Jeg ungen deg ikke. Synet av Jim Sturgess (hvis hovedsegment er historien fra 1849) som en koreansk frihetskjemper ved navn Hae-Joo Chang er så nervepirrende, så bestemt av at det nesten sporer av det som er en av de mest overbevisende av filmens seks historielinjer. Jeg ønsker ikke å gå inn i en hel samtale om rasemessig ufølsomhet - jeg mener, av rettferdighets skyld, på et tidspunkt dukker den fascinerende koreanske skuespillerinnen Doona Bae opp med rødt hår, grønne øyne og fregner - og jeg vil heller ikke skjemme bort alt av 'Åh, er at ham??' overraskelser i filmen, men bare vit at beslutningen om å la skuespillere gjenta seg gjennom hele filmen i forskjellige historielinjer blir fulgt langt altfor bokstavelig og omtrent gjør det hele til en uheldig Norbit -stil vits. Litt kontinuitet i rollebesetningen er greit, men ikke når det begynner å gjøre din mest seriøse film om til en sketsj om sminke og rare aksenter.

Når det gjelder plotmekanikken til filmen, vel... Det er et virvar. Vi har en ung lege som lærer slaveriets redsler på en øy i Sør-Stillehavet. Det er den homofile genidrifteren som står overfor en ubønnhørlig tragisk skjebne. Halle Berry spiller en iherdig reporter som etterforsker atomulykker i San Francisco i 1973. Jim Broadbent og noen andre gamle kjerringer (og Hugo Weaving i drag) gjør høykomedie på et nåværende sykehjem. Bae og Sturgess kjemper for 'fabrikant' (i utgangspunktet kloner) rettigheter i det undertrykkende fremtidens Korea. Og en nyprimitiv stammemann (Hanks) slår seg sammen med en kvinne fra en mer avansert gruppe (Berry igjen) for å bestige et fjell, bekjempe morderiske plyndringsstammer og muligens redde menneskeheten. Disse divergerende historiene holdes sammen av noen vanlige temaer: kjærlighet, revolusjon, medfølelse, likhet, engasjement. Hvis de høres litt generelle og uspesifikke ut, vel, ja. Det er vanskelig å si nøyaktig hva de fleste segmentene har til felles, tematisk eller følelsesmessig, spesielt når du har fått all gimmicken til rollebesetningen som fyller opp det meste av fantasien din. Så langt jeg kunne se er det generelle portrettet et av menneskelig anstendighet og tapperhet som ekko (et ord filmen bruker) gjennom generasjoner. Det er snakk om krusninger, om dråper i havet, om karma, om etterlivet og reinkarnasjon. Dette er en åndelig undersøkelse, men det er vanskelig å tyde akkurat hva vi spør om. Måten disse regissørene har laget filmen sin (the Wachowskis gjorde 1849, 2144 og det 24. århundre, Tywker ble gitt 1936, 1973 og 2012) gjør en bjørnetjeneste for de dypere, mer grublende aspektene ved Mitchells roman (slik jeg forstår det, jeg har ikke lest den), mens han irriterende spiller opp actionsekvenser og, bisarrt nok, komiske biter. Jeg mistenker at det er noe oppsiktsvekkende og vi-er-en å hente ut av dette materialet, men når det gjengis på film av denne whizz-bang-trioen, er det mye pomp og prakt og svært lite omstendigheter.

Hvorfor spiller det for eksempel noen rolle hva slags dårlig gjerning atomselskapet gjør i 1973 eller at reporteren, ved navn Luisa Ray, er datter av en annen modig reporter som reddet en fyr som senere skulle redde henne? Hva har den store, gjenklangende revolusjonen til 2144-tidslinjen å gjøre med at Jim Broadbent rømte fra et eldresenter i 2012? Og, mest frustrerende, hva er viktigheten av dette korte, små musikkstykket komponert i 1936-segmentet? Det må være ganske viktig, siden denne 'Cloud Atlas Sextet' gir filmen (og boken) navnet sitt. Vi får ikke tilfredsstillende svar på disse og andre spørsmål, og vi får heller ikke fristende filosofiske brødsmuler. I stedet er det hele ganske flatt presentert, og ved slutten av bildet skal vi ha knyttet alle de fillete kantene til en perfekt, åpenbar forståelsesknute. 'Å, vi så alt dette fordi... slaveri er dårlig.' 'Aha, noen ganger er folk i stand til å gjøre mye bra av en eller annen grunn.' Dette er ikke spennende forestillinger eller konklusjoner, og blir stadig mer klappete og tydelige når de står i en så latterlig kontrast til sin kakofoniske, utsmykkede innpakning. Det føles som om noen viktige små detaljer, finesser og nyanser gikk tapt i side-til-skjerm-oversettelsen. Vi får implikasjonen av dybde, men har aldri virkelig vist det.

Likevel. Likevel føles det feil å være for hard på denne merkelige omnibusfilmen. Jeg sier at 1936-segmentet viser seg å være spesielt frustrerende fordi, bortsett fra den til slutt rotete filosofien, har Tykwer skapt, innenfor murene til den stive Edinburgh-herregården der Whishaws karakter, Robert Frobisher, tar bolig, den mest skånsomme og rørende delen av filmen. Det hjelper at Whishaw har en så forførende, alfin tilstedeværelse. Han har et Loki-lignende flimmer i øynene som får deg til å stille spørsmål ved din umiddelbare impuls til å leke med det vakre håret hans og gi ham litt te. Han er sart og såret og verdt å trøste, men også muligens farlig. Det er det beste skuespillet i filmen, spesielt i hans hyppige voice over, som er stiv, lyrisk og bittert trist. Whishaw matches godt av Broadbent, som her bor i Frobishers store arbeidsgiver ved å slå ned hans vanlige fornemme Broadbentian-dodder. Segmentet føles langt mer elegant og mystisk gjennomtenkt enn resten av filmen - igjen hva er denne spennende 'Cloud Atlas'-låten — og jeg må si at det er beundringsverdig hvor ærlig Frobishers seksuelle legning blir håndtert i en så stort budsjett, actionfylt film. Her har vi filmens mest vonde kjærlighetshistorie og den handler tilfeldigvis om to menn. Føles nesten revolusjonerende!

Apropos revolusjonerende, filmens nest beste segment er Wachowskis' 2144 fremtidsvisjon, et sted som er både slankt og skittent, prikkende levende, men urovekkende umenneskelig. Her er James D'Arcy, som spiller Frobishers elsker, en (dessverre sminket) arkivar som intervjuer Sonmi-451, en fabrikat, om en opprørshandling som ser ut til å ha hatt noen store samfunnsmessige effekter. Vi lærer om Sonmis utfrielse fra hennes nøye kontrollerte kloneliv til den bredere verden, og i prosessen er vi vitne til en person som innser sin menneskelighet og deler den med en verden som har glemt sin egen. Det er i disse stykkene vi får hovedtyngden av filmens større budskap, og jeg skulle ønske de hadde ertet dem litt mer. Det er et faktisk ganske presserende poeng med at tilværelsen stikker hodet ut av Neo Seoul mot slutten av filmen, men den kommer aldri helt frem i lyset. Likevel kjenner Wachowskis veien rundt en opprivende, futuristisk actionsekvens, og Doona Bae er en forferdelig engasjerende storøyd oppdagelsesreisende av en modig og forferdelig ny verden.

Resten av segmentene er alle velmenende på sin måte, og man må respektere filmskaperne for å ta på seg så store og uensartede miljøer, men ingen henger helt sammen. Verst av alt er historien fra det 24. århundre. Akkurat som du har kommet over at Hanks og Berry snakker i tullete patois til hverandre som et par Nells, blir du tvunget til å forholde deg til Susan Sarandon som spiller en sjamanprestinne-seertype som bor i en hytte. Det er omtrent umulig å ta hele denne verden på alvor, spesielt når den lukker filmen på en åpenbart latterlig tone. Den siste linjen i filmen er så skurrende banal at jeg var sikker på at jeg gikk glipp av noe. Men nei, det gjorde jeg ikke. Det var egentlig hvordan Wachowskis valgte å avslutte sitt store tids- og romeventyr. Ah vel.

Til tross for alt dette har jeg ingen dårlig vilje til denne filmen. Faktisk ønsker jeg det godt. Det er stort og klønete og slurvete og sprøtt og rart, men det er egentlig helt greit. I en verden, og mer spesifikt en filmsesong, fylt med hardhet og kynisme, er her en film som har som mål å gi verden, og oss, et stort vått kyss. Det kan være lurt å tørke det meste av sludderet av kinnet etterpå, men hengivenheten og innsatsen blir verdsatt på samme måte.