Den mirakuløse lyden av tilgivelse

I sin spennende transgressive opera Figaros ekteskap , dro Mozart sin mest fantastiske musikalske bragd.

Katrien De Blauwer

ELLERpera er umuligog har alltid vært det. Operaidealet, en forestilt forening av alle menneskelige sanser og alle kunstformer – musikk, drama, dans, poesi, maleri – er uoppnåelig i sin natur. Denne umuligheten er operaens livsnerve: De fleste av kunstformens bisarre og vakre frukter er resultatet av kunstneres søken etter denne permanent unnvikende alkymien. Men hvis et verk er i stand til å unngå eller overvinne denne grunnleggende umuligheten, for meg er det Mozarts Figaros ekteskap (Figaros ekteskap). Figaro ville sannsynligvis vært mitt valg hvis jeg måtte velge et enkelt favorittkunstverk – og det inkluderer bøker, filmer, skuespill og malerier så vel som musikk.



I denne tre timer lange forvandlingen av Pierre Beaumarchais' politisk ladede komedie, oppnår Mozart og hans librettist Lorenzo Da Ponte et luftbilde av menneskesjelen, et portrett både av alt som er uimotståelig og briljant og sexy med mennesker, og av tingene som gjør oss så irriterende på hverandre. Operaens hemmelige ingrediens er kjærlighet. Mozart elsker karakterene sine, selv når de er på sitt laveste, og derfor ender vi opp med å elske dem også. Figaro har også den unike evnen til å få meg til å glemme, enten jeg opplever det som dirigent eller lytter, at jeg i det hele tatt hører en opera. Dette er unormalt. I opera regjerer kunstgrepet typisk; vanligvis er dette en del av moroa. Når jeg opptrer eller hører på Verdi eller Wagner , jeg glemmer aldri at jeg opplever en kapital- ELLER Opera, det skal jeg heller ikke. Det samme er sant, tror jeg, for Mozarts andre operaer: Som jeg opplever Don Giovanni eller Tryllefløyten , jeg glemmer aldri helt at jeg har blitt transportert til en fantastisk forestillingsverden.

Men Figaro er et annet beist . Den er så nær virkeligheten at dens kunstighet ikke kan oppfattes i dens uhyggelige øyeblikk. Musikken ser på en eller annen måte ut til å omgå ørene mine og gå uforstyrret inn i hjertet og psyken. Følelsen av å være nedsenket i Figaro er ikke annerledes for meg fra følelsen av takknemlighet for å være i live.

Jeg er knapt alene i min forvirrede forundring. Det er helt utenfor meg hvordan noen kan skape noe så perfekt, sa Johannes Brahms en gang om Figaro . Ingenting lignende ble noen gang gjort igjen, ikke engang av Beethoven. Og Figaro er den eneste operaen jeg noen gang har dirigert som, i løpet av en gitt produksjon, daglig provoserer en rollebesetning til å stoppe opp, riste på hodet og si: Dette er bare den største jævla tingen noensinne, ikke sant?

Det som rørte meg, i operaens ensemblescener, var følelsen av at jeg var i nærværet av en tett såret ball av følelser hvis tråder jeg aldri kunne løse ut.

På noen måter, Figaro er ansvarlig for at jeg er musiker, og den er absolutt ansvarlig for arbeidet mitt med opera . Da jeg var 8 år eller så, elsket jeg klassisk musikk, men orket ikke opera, som jeg bare hadde hørt biter av på lørdag-ettermiddagsradiosendinger. Operasang virket skurrende og ubehagelig. Jeg ble til og med litt flau på sangernes vegne: De så ut til å ikke ha noen anelse om hvor dumt de hørtes ut. Uansett grunn, kanskje fordi jeg var entusiastisk for Mozart og spilte noe av hans lettere pianomusikk på den tiden, kjøpte foreldrene mine meg et VHS-bånd med Figaro - Peter Halls produksjon, spilt inn på Glyndebourne i 1973 . Jeg innser nå at denne produksjonen hadde en drømmebesetning av ledende damer: en ung Kiri Te Kanawa som grevinnen, en enda yngre Frederica von Stade som Cherubino, den rumenske sopranen Ileana Cotrubaș som Susanna.

Denne videoen hadde en enorm innvirkning på meg. Det ga meg følelsen av å plutselig ha direkte tilgang til tidligere ukjente voksne følelser. Jeg følte en visceral tilknytning til Mozarts karakterer, en sympati for dem i magen og halsen, til tross for deres forvirrende voksenproblemer. Jeg skjønte ikke nyansene i Figaro sin handling, men noe formidlet seg selv til meg likevel. I operaens ensemblescener har Mozart en måte å legge sine karakterers psykiske tilstander på lag, slik at vi opplever summen av den åndelige energien i rommet. I disse scenene kan ingen følelser eller intensjon skjules; hver hemmelig følelse blir brakt frem i lyset. All skyldfølelse og lyst og usikkerhet og avsky og kjærlighet hoper seg opp og får de musikalske luftmolekylene til å vibrere rasende.

Jeg tror det som rørte meg, i disse ensemblene, var den rene selvmotsigende massen av dem, følelsen av at jeg var i nærværet av en kompleks, tett viklet ball av følelser hvis tråder jeg aldri kunne løse ut. Nettopp fordi Mozart ikke utelater noe og viser hver person i all deres rotete selvmotsigelse, er det umulig å fordømme karakterene hans, uansett hvor forferdelige de er mot hverandre. Musikken er i seg selv en tilgivelseshandling.

Figaro påvirket meg på mindre høye måter også. En ting jeg elsker med Mozart er uløseligheten, i musikken hans, av det åndelige og det sensuelle, og Figaro , i tillegg til å utgjøre en grundig åndelig utdanning, er også veldig sexy. De farlige, smertefullt langvarige erotiske lekene i operaens andre akt fikk meg til å føle meg kvalm da jeg kom tilbake til stykket et par år senere, på grensen til ungdomstiden. Hva i all verden så jeg på? Den androgyne Cherubino – karakteren er en tenåringsgutt, men han synges av en voksen mezzosopran – blir fratatt page-boy-antrekket sitt av to kvinner, Susanna og grevinnen, slik at de kan kle ham opp som en kvinne. (Cherubino er i store problemer, og de prøver å forkle ham som en kvinne slik at han kan unngå å bli sendt til hæren.)

Det ser sikkert ut som om Cherubino og grevinnen kan ende opp med å ha sex - eller kanskje de to og Susanna er på grensen til en trekant. Jeg tenkte at den ekstreme erotiske spenningen mellom disse kvinnene var ok fordi Cherubino virkelig var en gutt – men så prøvde jeg også å resonnere bort min forelskelse i von Stades Cherubino ved å insistere overfor meg selv at Cherubino virkelig var en jente. Hva var virkeligheten her, forresten?

Uansett hva jeg så på, var det mektig rart. Jeg hadde ingen anelse om at musikk kunne legemliggjøre slike transcendent overskridende sensasjoner, disse flyktige bølgene av varme, av ukontrollert ønske om … noe . Jeg hadde akkurat begynt å oppleve slike opplevelser selv, og de fikk meg til å føle meg veldig skyldig. Hva betydde det at Mozart, den mest engleklingende komponisten, også tydeligvis følte slike ting?

F igaro sin poengsumbestår av mirakel etter mirakel, men den siste scenen kan være den mest forbløffende av alle. Jeg har vendt meg til disse få minuttene med musikk mange ganger i livet mitt, i tider med både vanskeligheter og glede. Mange før meg har fremhevet denne sekvensen som et av operaverdenens underverk: For filosofen Theodor Adorno, Figaro sin finale var blant disse øyeblikkene for hvis skyld hele … formen kan ha blitt oppfunnet . Jeg vil ikke tørre å påstå at jeg kan forklare hva som gjør disse få minuttene så magiske. Men kanskje jeg kan komme med noen ledetråder.

Figaro er spekket med mange interleaving subplotter, men for å sette pris på finalen, trenger du bare å forstå hovedtrekket i fortellingen . Grev Almaviva, en spansk adelsmann, har begjært Susanna, hans kones kammerpike, som er i ferd med å bli gift med grevens tjener, Figaro. Greven har nylig avskaffet føydalen Herrens lov , den legendariske retten til herren på en eiendom til å sove med sine kvinnelige tjenere på bryllupsnatten deres. Han vet at denne opplyste gesten har skaffet ham betydelig sosial kapital blant sine tjenere, men han vil uansett ligge med Susanna. Han mener han bare må være litt sneigere om det enn tidligere generasjoner var.

Men greven undervurderer styrken til Susannas vennskap med kona: Susanna forteller grevinnen alt, og de slår seg sammen med Figaro for å avsløre grevens hykleri. På bryllupsmiddagen gir Susanna greven en lapp som inviterer ham til et nattlig møte i hagen. Men når natten faller på bytter Susanna og grevinnen antrekk; uten at han vet det, ender greven opp med å beile til sin egen kone. På andre siden av hagen later Figaro og Susanna, som er utkledd som grevinnen, som om de er overveldet av lidenskap for hverandre. Greven overhører dem - akkurat som de hadde tenkt - og tror at Figaro har forført kona hans. Rasende roper han blodig drap; hele gårdens befolkning kommer løpende. Men akkurat som greven forbereder seg på å straffe konens forseelse, går hans faktiske kone ut bak ham. Han innser at han er blitt lurt. Alle står stumme og venter på å se hvordan han vil reagere.

Det er verdt å merke seg hvor fylt dette øyeblikket ville ha virket for et europeisk publikum i 1786. En adelsmann har blitt overlistet og offentlig ydmyket av sine tjenere og sin kone. Grevens far eller bestefar ville sikkert ha sparket Figaro og Susanna på stedet, eller sendt dem i fengsel, eller enda verre. Men spørsmålet om hvordan en mann skulle reagere på en slik situasjon var et grensespørsmål på den tiden, ikke så forskjellig fra spørsmålet om hvordan enkelte selskaper skulle reagere når deres administrerende direktører ble anklaget for seksuell trakassering høsten 2017. Vi vet alle hva som pleide å skje, og vi vet alle hva som er det rette å gjøre – så hva blir det?

Hele rollebesetningen venter, andpusten. Alle øyne er rettet mot greven.

Han faller på kne. Grevinne, tilgi meg , Han synger. Grevinne, tilgi meg.

Mozart setter disse ordene til en stigende dur sjette, starter fra den dominerende, D naturlig. Det er en bønnbevegelse, en aspirerende oppover fra et punkt av fornedrelse. Grevens første Grevinne, tilgi meg avslutter med å slappe av et halvt trinn nedover fra tonika, G, til F-skarp.

Han tar en pause. Han innser at han ikke høres helt lei seg nok ut.

Han gjentar seg selv: Jeg tilgir, jeg tilgir . Denne gangen strekker han sin første stavelse oppover over intervallet en syvende, en litt bredere rekkevidde, følelsen av bønn forsterket. Hans siste tilgi avsluttes med en uttrukket stigende skli fra A-skarp til B-naturlig. Det er en bedende, barnlig gest, en som knapt tør å håpe. Greven høres alt annet enn autoritativ ut. Hans Tilgi meg er ikke en kommando, slik den lett kunne vært. Denne finalen tilgi er nesten en bønn.

Grevinnen tar en pause. Når hun begynner å synge, er fraseringen hennes nesten identisk med grevens; de er tross alt gift, og de snakker i de samme aristokratiske kadensene. Men sammenlign plasseringen av hver av grevens tonehøyder med hver av grevinnens. Mens greven starter på dominanten og lengter oppover med en klagende dur sjettedel, begynner grevinnen på G, tonic, og når velvillig opp en perfekt kvint. Denne gesten viser en dyp ro og balanse; hun har full kontroll. Jo mer føyelig er jeg , hun synger, og jeg sier ja . Jeg er mildere – et øyeblikk før, da greven trodde han hadde tatt kona på fersk gjerning, hadde han høylytt nektet å tilgi henne – og jeg vil si ja.

Første gang grevinnen synger ordene og jeg sier ja , hun høres ikke spesielt overbevisende ut. Mozart plasserer ordet Ja på en forsiktig skli fra D ned til C, en gest som kan oppfattes som et slitent resignasjonssukk. Hun vet at det ikke høres helt riktig ut. Det er ikke lett å tilgi. Akkurat som greven skjønte, etter sin første tilgi , at han trengte å prøve igjen, innser grevinnen at hennes første ja ikke var helt sjenerøst nok.

Hun gjentar seg selv - og jeg sier ja — denne gangen kommer forsiktig til å hvile på tonicen. Ingen flere nøler, ingen utstrakte dissonanser, bare: ja.

Fiolinene skisserer sangaktig en G-dur akkord med en synkende bevegelse som – hvordan skal man si det? – er en velsignelse, lys som bryter gjennom skyer. Hvert medlem av rollebesetningen gir stemme til deres stille undring over forsoningen de nettopp har vært vitne til. Nå, sier de, vil vi alle være glade.

Så hvorfor, lurer kanskje lytteren på, synger de den tristeste musikken som noen gang er skrevet? Den doble gesten av grevens ydmykhet og grevinnens tilgivelse forårsaker en overveldende frigjøring av energi: Besetningen forvandles til et enormt pipeorgel. Men hva er denne energien som plutselig slippes løs? Hvorfor er dette øyeblikket så hjerteskjærende? Hva sier de egentlig?

Se nøye på ordene de synger. Ah, alle glade / Vi vil være sånn . En idiomatisk engelsk oversettelse ville være Ah, we will all / Be happy like this. Men en klosset, ord-for-ord-oversettelse avslører noe annet: Ah, alle glade / Vi blir sånn. Separbarheten til den siste linjen – Vi vil være slik – utgjør hele forskjellen. Mozart setter denne teksten som en langsom, ubønnhørlig koral, og han gjentar ordene igjen og igjen til repetisjon avdekker en mening som er i direkte motsetning til den bokstavelige. Vi vil være, vi vil være slik . Vi vil være, vil være slik.

De vet. Hele rollebesetningen vet at det de har sett er en vakker illusjon. De vet at greven ikke vil endre seg, og det vil heller ikke grevinnen, og heller ikke noen av dem. Livet vil forbli komplisert. De vil fortsatt gifte seg med en person og bli forelsket i en annen; de vil fortsatt bli sjalu, og misforstå hverandre, og såre hverandre uten å mene det. Og kanskje, en eller to ganger i løpet av livet, vil de bli gitt et øyeblikk av fullstendig klarhet. En følelse av at det hele er vakkert, selv om det ikke er vakkert for dem . Et luftfoto av deres egne sjeler. For hva det er verdt.

Hva kan være igjenå si eller gjøre? Når denne hjerteskurende koralen har svevet hjem til G-dur, sporer strengene en synkende linje som gradvis skisserer en dominerende septimakkord: G–E–C-sharp–A. Jeg kan ikke beskrive denne passasjen på annen måte enn å si at i koralens etterglød føles det som om noen blir kvalt, og når strengene går ned fra G til en flyktig e-moll, bryter en tåre seg til slutt løs og renner. nedover kinnet deres. (I noen produksjoner omfavner greven og grevinnen på dette tidspunktet.)

Men denne nakne følelsen varer bare et øyeblikk. Den cis-skarpen har et glimt i øyet, et velkomment hint av Mozarts ugagn: Den inneholder muligheten for modulering fra G-dur til D-dur, nøkkelen til operaens berømte frenetiske ouverture. Sammen med den høye E-en som fløyten spiller over den, ser det ut til at C-sharpen spør: Er vi endelig klare for å ha det gøy?

Ja absolutt. Musikken bryter ut i en jublende, hardt tilvinnet allegro. Etter alle disse utmattende utgravningene av menneskehjertet, er alle klare til å feste. Dette øyeblikket er utfordrende for dirigenter, og årsaken har alt å gjøre med karakterenes psykologiske tilstand. I raske kvarttoner synger hele besetningen ordene La oss alle løpe : La oss alle løpe (det vil si løpe for å bli fulle og glemme seg selv så fort som mulig). Under dem spiller strykerne og fagottene en svimlende, lett fartslinje med løpende åttendetoner som praktisk talt rekapitulerer deres del fra ouverturen.

Sangerne haster uunngåelig hit. Det er en naturlov. I noen forestilling har ikke sangerne følt trangen til å presse seg fremover i dette øyeblikk. Tross alt er deres del mye enklere enn orkesterets, og både musikken og ordene (la oss løpe, la oss løpe, la oss løpe!) egger dem til. Det stakkars orkesteret er i mellomtiden nede i gropen og svetter bare for å prøve å holde sammen. Selv på noen ganske kjente studioinnspillinger av operaen, kommer sangere og orkester voldsomt løs her.

Vet du hva? Jeg tror sangerne har rett. Disse karakterene prøver å overgå virkeligheten selv. Jammen rett at de skal få fart. Det er dirigentens og orkesterets jobb å holde tritt med dem. Slutten av Figaro skal gå opp i røyk. Etter å ha undersøkt hjertets hver sprekk, etter å ha avslørt hver svakhet, hvert egoistisk eller skammelig ønske, og fortsatt insistert på at kjærligheten overvinner alt, er det ingenting igjen for Mozart å gjøre enn å tenne fyrverkeriet.


Dette essayet er tilpasset fra Matthew Aucoins nye bok, The Impossible Art: Adventures in Opera . Den vises i den trykte utgaven av desember 2021 med overskriften The Miraculous Sound of Forgiveness.

Når du kjøper en bok ved å bruke en lenke på denne siden, mottar vi en provisjon. Takk for at du støtter Atlanteren .